Hop hop hop !
Par Léna Martinelli
Les Trois Coups
Vous avez dit Break ? Popping ? Voguing ? Krump ? La journaliste Rosita Boisseau et le photographe Laurent Philippe publient, aux Nouvelles Éditions La Scala, le livre qui manquait sur le hip hop, un mouvement devenu un pan important du spectacle vivant. Hop hop hop, on saute de joie !
On peut désormais tout savoir (ou presque !) sur ce mouvement artistique majeur. Les cinq chapitres qui le composent se focalisent sur l’histoire française de la communauté, relèvent l’importance du collectif, insistent sur les battles, interrogent la place des femmes et enfin concluent sur la pluralité des styles et leurs métamorphoses. On y rencontre aussi les principaux acteurs, dont les apports respectifs ressortent bien.
Journaliste au Monde et à Télérama, critique de danse, Rosita Boisseau maîtrise parfaitement son sujet. Elle a écrit plusieurs livres, dont (chez cet éditeur) Danse contemporaine (lire la critique), le Cirque contemporain et Pina Bausch. Son complice Laurent Philippe est aussi expert en la matière, avec des photographies publiées dans de nombreux ouvrages.
Un sacré phénomène !
Quel chemin parcouru, depuis son apparition, dans les années 70, au cœur des ghettos, comme ceux du Bronx. La culture hip-hop a acquis ses lettres de noblesse assez vite, finalement. Partie de la rue, comme le street art, elle a progressivement gagné les salles les plus prestigieuses jusqu’à être plébiscitée par les institutions. L’accès de personnalités marquantes à la direction de trois centres chorégraphiques nationaux (sur 19) en est la preuve : Mourad Merzouki et sa compagnie Käfig à Créteil, Kader Attou à La Rochelle, le collectif FAIR-E au CCN de Rennes. « Populaire, urbain, social et politique, sans avoir besoin de brandir l’étendard de la révolution, le hip-hop, qui vient de Hip (être dans le coup en argot américain) et Hop (bondir, sauter) affirme sans cesse son identité, aiguise son ingéniosité, en se propageant depuis les zones périurbaines de tous les pays jusqu’au centre », résume Rosita Boisseau.
Aujourd’hui, il circule effectivement partout, du fin fond des banlieues à l’esplanade du Trocadéro, quand ce n’est pas sur la grande scène du Théâtre national de Chaillot, en passant par Netflix. Le hip hop dope la fréquentation en la rajeunissant. C’est du pain béni pour les services de relations publiques qui organisent ateliers, rencontres et autres actions culturelles. D’où le soutien des pouvoirs publics.
Après quelques émissions cultes qui vont contribuer à populariser le break, le smurf, le rap, ce sont évidemment les réseaux sociaux qui ont accéléré le phénomène, mais aussi les battles et des festivals : la Biennale de danse de Lyon en programme dès 1994, tandis que les Rencontres urbaines de La Villette sont de vrais tremplins. Quant au festival de Suresnes, il a largement contribué à faire passer le hip hop des trottoirs aux plateaux ! Alors qu’aujourd’hui, il va fêter ses trente ans, il fait toujours partie de son ADN. Et il continue de révéler les pointures de demain.
Battle Juste Debout, Monsta Kai & Man of God, AccorHotels Arena, 2019 © Laurent Philippe
Suivre le circuit des battles est aussi instructif. Secteur économique à part entière, ces compétitions rencontrent un vif succès. C’est l’occasion de rassemblements où se faire remarquer, car ces joutes acrobatiques ouvrent la voie à une carrière internationale. Talents confirmés ou prometteurs s’y côtoient pour inventer l’avenir de la discipline. Certains sont même sélectionnés pour participer aux Jeux Olympiques de 2024, où le breaking va faire son apparition. Quelle revanche pour ces déracinés !
Trop stylé !
Rosita Boisseau retrace les évolutions stylistiques et relève les virages esthétiques. Quand il prend son élan au cœur des quartiers défavorisés, le hip hop se charge de colère. Une fois la violence domestiquée, demeurent l’urgence de s’exprimer et la soif de défis. L’esthétique de l’affrontement évolue vers celle de l’exploit : « Le cercle est un espace d’affirmation identitaire personnelle au regard de sa communauté » résume Farid Berki, figure pionnière (cie Melting Spot). « Ce n’est pas un contre tous, c’est un avec tous. Pour qu’on se dépasse, qu’on grandisse tous ».
Aux éclats d’une identité marginalisée, sinon rejetée, s’accolent progressivement les valeurs positives de construction de soi, en lien avec le collectif. Les Black Blanc Beur en sont un parfait exemple. Les performances individuelles cimentent le groupe, lequel œuvre à la structuration du milieu. Animé par l’esprit de compétition, le hip hop garde le dépassement de soi comme règle ultime, mais se laisse volontiers aller à des envolées chorales. Sans se couper de la scène urbaine, il intègre les réseaux en peaufinant sa gestuelle brute de nouvelles techniques époustouflantes. Pendant longtemps autodidactes, les interprètes peuvent dorénavant suivre des formations pointues qui les ouvrent d’ailleurs à d’autres styles, même si l’école de la rue a de beaux restes.
La soif de reconnaissance mue en désir de partage. La force devient alors énergie positive, la puissance générosité. Voilà le hip hop prête à accéder au rang de divertissement grand public ! Le plaisir contagieux de danser ne procure-t-il pas des émotions immédiates ? Pokemon Crew accède au statut envié de star, diffusé aussi bien dans le réseau public que privé. Rosita Boisseau retrace à grands traits les trajectoires de ceux qui « pèsent dans le game » : Mourad Merzouki et Kader Attou, cofondateurs de la compagnie Accrorap en 1989, qui traceront ensuite leur route, pour accéder à des postes clés, mais aussi Fouad Hammani (Macadam),Hamid Ben Mahi, Ousmane Sy, Amala Dianor et bien d’autres.
Vitalité et créativité
À ses débuts, le hip-hop a immergé autour des figures essentiellement masculines, d’abord principalement autour du break dance (style au sol), qui requiert une certaine puissance musculaire. Les femmes ont dû jouer des coudes pour s’imposer. Elles ont forcé le respect en perçant dans des cercles pas forcément accessibles. Peu à peu, elles se sont dégagées du modèle masculin pour affirmer leur singularité, plutôt dans les styles debout. Johanna Faye, Anne Nguyen, Jeanne Gallois en font partie. Elles et d’autres ont fait évoluer les points de vue, en expérimentant dans l’organique ou l’abstrait, la narration théâtrale, autant de formes inédites qui ont contribué à irriguer ce riche terreau de création.
Plus ou moins performatif, le hip hop d’aujourd’hui reste en quête de virtuosité mais exprime une palette d’émotions plus étendue. Certains cherchent loin, au plus près du bitume ou pas. Ils dynamitent les codes en se frottant au modern jazz, à la danse africaine, au classique ou encore au contemporain. D’autres fricotent avec la gymnastique, la capoeira, les arts martiaux, les jeux vidéo. Mourad Merzouki est sans doute celui qui ouvre le plus le mouvement à d’autres disciplines : le sport, pour Boxe Boxe ; le numérique, pour Pixel ; l’escalade, pour Vertikal.Kader Attou, lui, se concentre particulièrement sur les aspects dramaturgiques. Dommage, d’ailleurs, de n’avoir pas davantage d’éléments sur ce que les spectacles racontent. Il aurait été intéressant d’avoir l’analyse d’une dizaine œuvres emblématiques.
Les registres musicaux évoluent aussi avec des bandes-son mâtinées de variété française, de rock, de jazz, et même de classique ou de baroque. Les Indes galantes, de Jean-Baptiste Rameau, mis en scène par Clément Cogitore et chorégraphié par Bintou Dembélé en est l’illustration la plus éclatante. Un joyeux métissage qui a fait se soulever le public de l’Opéra Bastille ! Voici justement une pièce de répertoire qui aurait pu figurer dans le chapitre évoqué plus haut. Ce spectacle fera date. Or, il est tout juste évoqué, sans même une seule photo, quand on a trop de clichés des battles, qui ne sont pourtant pas des spectacles.
Inventif, le hip hop intègre ces multiples influences, tout en veillant à la rigueur de l’écriture, conclut Rosita Boisseau. Des chorégraphes d’autres obédiences viennent effectivement stimuler la créativité : Blanca Li ou José Montalvo et Dominique Hervieu aiment les échanges fructueux. La polyvalence des interprètes renouvelle aussi le vocabulaire chorégraphique. La ferveur de ce style n’est donc pas prête de faiblir. Symbole de contre-culture, le hip hop cristallise 50 ans de luttes et de résiliences, comme l’infini champ des possibles.
Léna Martinelli
Danser Hip hop, de Rosita Boisseau, photos de Laurent Philippe
144 p., 130 illustrations
Prix : 29 €
☛ Folia, de Mourad Merzouki, critique de Léna Martinelli
☛ Good Morning, Mr Gerschwin, critique de Jean-François Picaut
☛ En quête, de Souhail Marchiche, critique de Céline Doukhan
Break ? Battle ? Popping ? Voguing ? Krump ? La journaliste Rosita Boisseau et le photographe Laurent Philippe publient le livre qui manquait sur le hip hop. On peut désormais tout savoir sur ce mouvement artistique populaire majeur né sur le bitume, aujourd’hui institutionnalisé mais pas coupé de ses racines urbaines : histoire du mouvement, esprit collectif, battles, styles, hip hop et femmes… On y est aussi en bonne compagnie, avec les artistes majeurs, parmi lesquels les Black Blanc Beur, les Pockemon Crew, Kader Attou, Mourad Merzouki, Amala Dianor.
Cette traversée, au croisement de la danse et de l’art contemporain, reflète l’élan créatif de chorégraphes et de plasticiens, réunis dans des œuvres très variées. L’occasion d’explorer la relation entre danse et décor, le théâtre total, la scène-paysage, le défi du vivant. Conçu à quatre mains par Rosita Boisseau et Christian Gattinoni, Danse et art contemporain livre les regards complémentaires d’une journaliste de danse et d’un critique d’art. Les photographies signées par Laurent Philippe rendent compte de la richesse visuelle de ces pièces chorégraphiques marquantes de l’histoire du spectacle vivant et des arts visuels. Un ouvrage passionnant.
Œuvres phares, notions clés, dates repères, tendances… Il s’agit de faire comprendre et connaître la danse contemporaine à travers ses principaux courants, depuis les pères fondateurs, Maurice Béjart et Nijinski. Le panorama des formes intègre des éléments venus du théâtre, de la scène musicale, du cirque, de la performance, des arts de la rue. Le journaliste Philippe Noisette rend aussi compte des grandes tendances actuelles : minimalisme, présence des nouvelles technologie, références aux classiques… Le focus sur 20 chorégraphes incontournables et l’analyse précise de leurs spectacles est tout à fait utile. Le format est pratique et la maquette claire avec entrées multiples et encadrés qui permettent une approche à la fois didactique et ludique. Enfin, les photos de Philippe Laurent sont toujours aussi belles.
La danse représente un réel défi pour les historiens. Art de l’éphémère, elle continue souvent à être oubliée dans les récits de l’histoire de l’art. Afin de combler ce manque, Laura Cappelle a réuni 27 des meilleurs spécialistes internationaux de la danse occidentale, dont les travaux mettent en avant, sur la longue durée, une multiplicité de techniques et de pratiques. Prix du Syndicat de la critique de théâtre et de danse 2021.
Cette magistrale synthèse sur l’art des clowns commence à l’Antiquité et s’achève aujourd’hui. L’historien Pascal Jacob fouille d’abord du côté des fondateurs anglais ou des arlequinades italiennes, avant les « one-clown shows » et d’autres qui s’échappent parfois de la scène ou la piste, pour aller dans la rue, « s’emmêler de politique », à l’hôpital, « fricoter de social ». Amplement illustré grâce aux richesses de la Bibliothèque nationale de France, ce livre nous fait voyager loin, grâce à une maquette aérée, où gravures anciennes, affiches fin de siècle, et photos exceptionnelles de Christophe Raynaud de Lage donnent un aperçu juste de la richesse de l’art clownesque. 
L’entrée en scène des circassiens : Dominique Sécher, qui y traîne ses guêtres depuis longtemps, a saisi ce moment unique, juste avant le saut dans le vide. Grâce à sa présence discrète en coulisses, le photographe rend compte des rituels et habitudes, mais surtout de la concentration extrême d’artistes prêts à s’exposer à tous les dangers. En préface, l’anthropologue du spectacle vivant, Sylvie Perault explique l’importance de ce moment universel et les états modifiés de conscience (EMC) auxquels sont confrontés les artistes afin de jouer leur personnage, réaliser leurs exploits, se dépasser. Un arrêt sur image, mais aussi dans le temps, avec ce témoignage sur les pistes traditionnelles, juste avant la sortie de scène… des animaux sauvages, interdits depuis.
Multi-récompensé pour ses spectacles, Valérie Lesort et Christian Hecq se sont distingués avec 20 000 lieues sous les mers, à la Comédie-Française, avant d’autres succès comme la Mouche, aux Bouffes du Nord, ou encore la Petite Balade aux enfers, à l’Opéra Comique. L’ouvrage comprend plus de 300 portraits d’artistes pris sur le vif par le photographe Fabrice Robin, avant ou après la représentation, mais aussi lors de séances, des croquis et documents inédits sur la genèse des spectacles, ainsi que des échanges du duo avec Chantal Hurault. Voilà de quoi plonger dans un imaginaire foisonnant et découvrir d’étonnants processus de création.
Depuis 26 ans au guichet du Lucernaire, Céline Ena prend des réservations au téléphone et assure la billetterie. Malgré cette routine immuable, elle ne s’ennuie jamais, amusée par les saynètes drôles, tragiques, captivantes, qui se jouent sous ses yeux, à son comptoir. Elle livre ici des anecdotes drôlement illustrées par ses soins. Une savoureuse bande dessinée sur les loufoqueries quotidiennes des spectateurs.
Trop peu d’ouvrage sur l’art dans l’espace public ! En voici enfin un, d’une nouvelle maison d’édition consacrée aux arts de la rue. Issu d’un séminaire, il se présente comme un panorama sur les déambulations théâtrales aujourd’hui. Et il est à l’image de ses protagonistes : captivant, pertinent, sensible, généreux. Coordonné par Mathurin Gasparini, fondateur et directeur artistique de ToNNe, il mêle réflexions sur le mouvement et le texte en espace public, à la parole d’artistes (le groupe ToNNe, les Arts Oseurs, les Fugaces, Action d’Espace, La Hurlante, la Baleine-Cargo, No Tunes International, CIA, Pudding Théâtre). On y trouve aussi les témoignages de précieux compagnons de route (programmateur, directeur technique, chargée de diffusion). Chaque thématique est introduite par une éclairante contribution de Stéphanie Ruffier qui aborde, entre autres, les questions de déplacement, communion, dramaturgie, intime, réparation, nécessité. De-ci de-là, l’enseignante-chercheuse (et aussi 
En quoi l’opéra est-il essentiel ? Serge Dorny, intendant du Bayerische Staatsoper de Munich depuis 2021, après avoir dirigé l’Opéra de Lyon, retrace quelques étapes de sa carrière et invite des personnalités (parmi lesquelles Régis Debray, Anna-Sophie Mahler ou Krzysztof Warlikowski) à questionner l’avenir de cet art séculaire et à partager leur vision de l’opéra d’aujourd’hui et de demain. Entre essai et récit, un hymne à l’art lyrique.
